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Zwischen Gitarrenwänden, Metalcore-Breakdowns und Stadionrock-Pathos wirken die Frankfurter Rap-Rabauken von Mehnersmoos nicht gerade wie die offensichtlichste Wahl. Mit ihrem Mix aus prolligen Punchlines, schwarzem Humor und einem erstaunlich präzisem Gefühl für einen amtlichen Live-Abriss sind Deutschraps Lieblingsschwiegersöhne dennoch die perfekte Abwechslung. Wo andere Bands die große Rock-Geste auspacken, kommen sie mit Trainingsanzug-Attitüde, Tresenphilosophie und Texten, bei denen die gute Erziehung wahrscheinlich lieber im Zelt bleibt. Rock am Ring 2026 bekommt damit keinen klassischen Genre-Gast, sondern einen Störfall mit Ansage: laut, derb, herrlich verstörend und gerade deshalb ein Programmpunkt, über den man reden wird.

We Came As Romans gehören zu den Bands, die Metalcore in den letzten 15 Jahren entscheidend geprägt haben. Die Musiker aus Michigan verbinden brachiale Breakdowns, riesige Refrains und elektronische Elemente mit einer Emotionalität, die nie künstlich wirkt. Ihre Songs handeln von Verlust, Hoffnung und Zusammenhalt und genau deshalb haben sie für so viele Fans über Jahre eine besondere Bedeutung bekommen. Nach dem Tod ihres Sängers Kyle Pavone stand die Zukunft der Band lange in den Sternen. Dass We Came As Romans trotzdem weitergemacht haben, fühlt sich heute nicht wie ein verzweifelter Versuch an, an der Vergangenheit festzuhalten, sondern wie logische Kontinuität und das Bekenntnis an das, wofür diese Band immer stand. Ihre Musik klingt entschlossen, verletzlich und größer denn je.

Die Briten um Gavin Rossdale gehören den letzten wirklich bedeutsamen Vertretern jener Grunge-Nachbeben, die nie ganz verschwunden sind: rau, melodisch, melancholisch und mit Refrains, die auch nach drei Jahrzehnten noch zuverlässig Staub von alten Festivalgefühlen pusten. Gerade deshalb passen Bush so gut an den Ring. Zwischen modernen Core-Gewittern, Alternative-Helden und großen Rock-Namen liefern sie 2026 keine Nostalgie-Show aus der Vitrine, sondern den Beweis, dass gute Songs nicht rosten, sondern Patina ansetzen. „Machinehead“, „Glycerine“ oder „Comedown“ sind keine Retro-Postkarten, sondern traurig schöne Gitarrenmotoren und Bush eine Band, die zeigt, warum Grunge vielleicht historisch ist, aber längst nicht erledigt.

Seit über 25 Jahren benehmen sich The Hives so, als wäre jede Bühne ihre letzte Chance, die Welt in Brand zu setzen und genau deshalb funktionieren sie immer noch so unfassbar gut. Die schwedische Garage-Rock-Band um Frontmann Pelle Almqvist verbindet rasiermesserscharfe Riffs und Retro-Ästhetik mit einer Live-Energie, die irgendwo zwischen kontrolliertem Chaos und kompletter Eskalation pendelt. Mit Songs wie "Hate To Say I Told You So", "Tick Tick Boom" oder "Walk Idiot Walk" haben The Hives den Indie- und Garage-Rock der 2000er entscheidend geprägt. Doch ihr eigentliches Zuhause war schon immer die Bühne: Pelle turnt, schreit, dirigiert das Publikum wie ein durchgedrehter Zirkusdirektor und kommentiert das Geschehen mit genau der richtigen Mischung aus Größenwahn und Selbstironie.

The Plot In You machen Musik, die sich anfühlt wie ein offener Nerv. Die Band aus Ohio verbindet brutale Härte mit emotionaler Tiefe und schafft es seit Jahren, Metalcore immer wieder neu aufzubrechen, ohne dabei an Intensität zu verlieren. Ihre Songs sind kompromisslos, ehrlich und oft so persönlich, dass sie fast unangenehm nah wirken. Vor allem Frontmann Landon Tewers prägt den Sound der Band mit einer Mischung aus roher Aggression, verletzlicher Melodik und Texten, die tief in Themen wie Selbstzweifel, Wut und innere Zerrissenheit eintauchen. Alben wie Dispose, Swan Song oder Vol. 1 zeigen eine Band, die keine Angst davor hat, Erwartungen zu zerlegen und Extreme direkt nebeneinanderzustellen.

Mit Songs wie Ice Queen, Stand My Ground oder Faster wurden Within Temptation zu einer der wichtigsten europäischen Rockbands der 2000er, weit über die Grenzen des Symphonic Metal hinaus. Nach ruhigeren Jahren wirkt ihr aktuelles Comeback bemerkenswert entschlossen. Während viele Bands des Genres irgendwann zur bloßen Fantasy-Kulisse wurden, schafften es die Niederländer immer, Größe, Atmosphäre und emotionale Wucht miteinander zu verbinden, ohne sich hinter Pathos zu verstecken. Vor allem die Stimme von Sharon den Adel bleibt dabei das Zentrum dieses Sounds: kraftvoll, elegant und sofort wiedererkennbar. Die Band klingt schwerer, direkter und politischer als früher, ohne ihre melodische Stärke zu verlieren. Statt Nostalgie zu verwalten, erweitern Within Temptation ihren Sound konsequent weiter.

Trivium stehen seit Jahren für modernen Metal auf höchstem Niveau. Die Band aus Florida verbindet rasende Thrash-Riffs, brachiale Metalcore-Energie und klassische Heavy-Metal-Melodien zu einem Sound, der gleichzeitig technisch beeindruckend und sofort zugänglich wirkt. Statt ihre Fähigkeiten bloß zur Schau zu stellen, schreiben Trivium Songs, die hängen bleiben, antreiben und live ihre volle Kraft entfalten. Mit Alben wie Ascendancy, Shogun oder In the Court of the Dragon hat sich die Band immer wieder neu herausgefordert und ihren Stil kontinuierlich erweitert. Vor allem Frontmann Matt Heafy verkörpert diese Mischung aus Präzision und Leidenschaft wie kaum ein anderer. Zwischen aggressiven Screams, riesigen Refrains und filigranen Gitarrenparts bewegt er sich mit einer Selbstverständlichkeit, die beeindruckt, ohne jemals geschniegelt zu wirken.

Papa Roach erleben gerade so etwas wie ihren zweiten Frühling und das völlig zurecht. Was Ende der 90er mit Last Resort so richtig durch die Decke ging, ist längst zu einem generationsübergreifenden Soundtrack geworden. Songs wie "Scars", "Between Angels and Insects" oder "Getting Away With Murder" haben sich tief in das kollektive Gedächtnis eingebrannt und stechen aus den unzähligen Auswüchsen des Nu Metal um das Millenium heraus. Deshalb wirkt die Band aus Kalifornien auch keineswegs wie ein nostalgischer Legacy-Act. Im Gegenteil: Papa Roach spielen mit einer Leichtigkeit, als hätten sie gerade erst ihre erste Garagenprobe hinter sich gebracht. Vor allem Frontmann Jacoby Shaddix zeigt Abend für Abend, warum er zu den besten Sängern des modernen Rock gehört. Zwischen roher Aggression, großen Melodien und emotionaler Verletzlichkeit bewegt er sich mit einer Selbstverständlichkeit durch legendäre Hymnen, wie es nur wenige können.

Linkin Park sind längst mehr als nur eine Band. Mit Alben wie "Hybrid Theory" und "Meteora" haben sie den Sound der 2000er geprägt und Songs geschrieben, die für Millionen Menschen zu emotionalen Ankern wurden. Das Vermächtnis von Chester Bennington ist dabei unantastbar. Seine Stimme, seine Texte und seine kompromisslose Emotionalität haben Linkin Park zu einer der wichtigsten Rockbands der Geschichte gemacht. Umso größer war die Diskussion, ob und wie diese Band überhaupt weitermachen kann. Die Antwort darauf liefern Linkin Park nicht mit Nostalgie oder dem Versuch, Vergangenes zu kopieren, sondern mit einem echten Neuanfang. Emily Armstrong bringt eine beeindruckende Intensität und Eigenständigkeit mit, ohne Chester ersetzen zu wollen. Stattdessen eröffnet sie der Band ein neues Kapitel, das respektvoll mit der Vergangenheit umgeht und gleichzeitig nach vorne blickt. Live spürt man genau diese Mischung aus Geschichte, Schmerz und Aufbruch.

Bei Paleface Swiss klingt selbst der leiseste Moment noch wie eine Drohung. Die Band aus Zürich gehört zu den kompromisslosesten Namen der modernen Deathcore-Szene und setzt weniger auf Hochglanz-Produktion als auf rohe Aggression, klaustrophobische Atmosphäre und das Gefühl, dass hier gleich irgendetwas komplett entgleist. Songs von Paleface Swiss wirken wie kontrollierte Panikattacken. Brutale Breakdowns treffen auf verstörend intensive Vocals, während die Band ihre Wut mit einer Direktheit kanalisiert, die fast körperlich spürbar wird. Trotzdem steckt hinter all der Gewalt erstaunlich viel Präzision.

he Pretty Reckless klingen wie eine durchzechte Nacht irgendwo zwischen Sunset Strip und Grunge-Kellerclub. Die Band um Taylor Momsen verbindet dreckigen Hard Rock mit düsterem Alternative-Sound und dieser speziellen Sorte Melancholie, die man sonst nur von Bands wie Soundgarden, Hole oder Alice in Chains kennt. Dabei wirken ihre Songs nie wie bloße Nostalgieübungen, sondern wie moderne Rockhymnen mit genug Ecken, um interessant zu bleiben. Spätestens seit Heaven Knows, Take Me Down oder Death by Rock and Roll ist klar, dass The Pretty Reckless weit mehr sind als ein Nebenprojekt mit prominentem Gesicht. Taylor Momsen trägt diese Band mit einer Stimme, die gleichzeitig rau, verletzlich und gefährlich klingen kann, als würde sie jede Zeile erst im Moment der Aufnahme erfinden.

Bury Tomorrow liefern modernen Metalcore in Bestform: massive Breakdowns, riesige Melodien und eine Energie, die live sofort alles mitreißt. Die Briten verbinden brachiale Härte mit hymnischen Refrains und schaffen genau den Sound, bei dem Circle Pits und Gänsehaut erstaunlich nah beieinanderliegen. Mit Alben wie Cannibal oder The Seventh Sun hat sich die Band zu einer festen Größe der internationalen Core-Szene entwickelt. Vor allem die Mischung aus aggressiven Screams, klarem Gesang und messerscharfen Gitarren macht Bury Tomorrow so effektiv – kompromisslos schwer, aber immer mit Gespür für große Momente. Live gibt es keine Verschnaufpause. Bury Tomorrow spielen mit maximalem Druck nach vorne und gehören genau deshalb zu den Bands, die man auf einem Festival nicht nur sehen, sondern erleben sollte.

LANDMVRKS aus Marseille haben sich seit ihrer Gründung 2014 mit brachialer Energie und einem einzigartigen Sound zu einem der spannendsten Exportschlager der europäischen Core-Szene entwickelt. Dabei hört man ihrer Musik an, wo sie herkommt: Marseille, mit seiner Hip-Hop-Kultur, seiner Vielfalt und seiner rauen Direktheit, steckt tief in ihrer DNA. LANDMVRKS mischen harte Breakdowns und melodische Refrains mit Nu-Metal-Passagen und Rap-Parts zu einem mitreißenden dystopisch-urbanen Klangerlebnis. Songs wie "Rainfal"l oder "Scars" zeigen genau diese Stärke: massive Riffs, cleane Vocals, explosive Screams und genug Groove, um nicht nur den Moshpit, sondern gleich das ganze Festivalgelände in Bewegung zu bringen.

Three Days Grace beherrschen die Kunst, große Gefühle in harte Gitarrenriffs zu hüllen. Ihr größter Hit "I Hate Everything About You" ist längst mehr als nur ein erfolgreicher Rocksong. Die Mischung aus Wut, Herzschmerz und diesem gigantischen Refrain hat sich über zwei Jahrzehnte tief in Playlists, Radios und das kollektive Gedächtnis einer ganzen Generation eingebrannt. Ein Song, den wirklich jeder mitsingen kann, selbst wenn man das eigentlich gar nicht vorhatte. Auch darüber hinaus haben Three Days Grace ein erstaunliches Gespür für eingängige Härte entwickelt. Songs wie "Animal I Have Become", "Pain" oder "Never Too Late "verbinden rohe Emotionen mit einer Direktheit, die nie kompliziert ist, aber genau deshalb so effektiv funktioniert. Live entsteht daraus eine Show voller Druck, Energie und riesiger Singalongs, irgendwo zwischen Therapie, einem Zeigefinger gen Himmel und kompletter Eskalation.

Wenn Ice Nine Kills die Bühne betritt, verwandelt sich der Ring in eine Geisterbahn. Mit ihrem ungewöhnlichen Horror-Metalcore inszenieren die Jungs aus Boston einen Realtime-Slasher mit Breakdowns, Kunstblut und catchy Refrains. Angeführt von Frontmann Spencer Charnas haben Ice Nine Kills aus ihrer Liebe zu Horrorfilmen ein komplettes Banduniversum gebaut. Songs über Albträume, Killerpuppen und klassische Schocker treffen auf messerscharfe Gitarren, theatralische Arrangements und Hooks, die dich verfolgen wie Michael Myers zu seinen besten Tagen. Das ist Metalcore mit Popcorn, Panik und Punchline. Live ist das Ganze natürlich noch eine Nummer größer. Ice Nine Kills liefern keine bloße Show, sie eröffnen ein Spukhaus mit Circle Pit. Zwischen Schockmomenten, Kostümen und musikalischer Präzision entsteht ein Spektakel, das gleichzeitig brutal, absurd unterhaltsam und überraschend clever ist.

Electric Callboy sind der Beweis, dass man Metalcore, Eurodance, völligen Irrsinn und erstaunlich gute Hooks problemlos in einen Mixer werfen kann, solange man absolut keine Angst davor hat, sich dabei komplett zum Affen zu machen. Die Band aus Castrop-Rauxel hat es geschafft, aus einer Schnapsidee eines der unterhaltsamsten Live-Erlebnisse Europas zu formen. Mit Songs wie "Pump It", "We Got The Moves" oder "Hypa Hypa" liefern Electric Callboy Abrissmusik für Menschen, die gleichzeitig moshen, raven und über 2000er-Trainingsanzüge lachen wollen. Hinter all dem Humor steckt allerdings eine Band, die musikalisch deutlich präziser arbeitet, als es der völlige Wahnsinn auf der Bühne zunächst vermuten lässt. Die Breakdowns knallen, die Refrains sitzen und die Produktion ist größer als manche Stadionrockplatte. Und genau deshalb sind Electric Callboy wie gemacht für Rock am Ring 2026.

Marteria ist bei Rock am Ring 2026 genau der Act, der dem Line-up eine angenehme Abwechslung verpasst, ohne wie ein Fremdkörper zu wirken. Der Rostocker Rapper hat längst bewiesen, dass seine Songs auch vor Gitarrenpublikum funktionieren: groß genug für riesige Bühnen, direkt genug für Festivalchöre und mit genau der Energie, die man zwischen Rock, Punk und Metal gut gebrauchen kann. Dass Marteria zum Ring passt, wissen wir spätestens seit 2017, damals spielte er nach der Absage seines ursprünglichen Auftritts erst ein nachgeholtes Power-Set bei Rock am Ring und flog danach weiter nach Nürnberg, um auch Rock im Park noch planmäßig abzureißen. Mehr Festival-Einsatz geht eigentlich nur, wenn man zwischendurch noch selbst den Shuttlebus fährt. Mit Songs wie "Lila Wolken", "Kids" oder "OMG!" bringt Marteria Hits mit, auf die sich erstaunlich viele einigen können: Rapfans sowieso, aber eben auch Rockfans, die sonst bei Sprechgesang erst einmal skeptisch die Arme verschränken.

Volbeat haben etwas geschafft, woran viele Rockbands scheitern: Sie klingen sofort nach sich selbst. Die Dänen um Frontmann Michael Poulsen mischen Metal, Rock’n’Roll, Rockabilly und Heavy Metal zu einem Sound, der gleichzeitig nach Elvis, Metallica und amerikanischer Motorradkneipe klingt – und erstaunlicherweise weltweit funktioniert. Mit Songs wie Still Counting, Lola Montez oder The Devil’s Bleeding Crown haben sich Volbeat über die letzten Jahre zu einer festen Größe im internationalen Rock entwickelt. Ihre Musik ist groß genug für Festivals, eingängig genug fürs Radio und schwer genug, damit trotzdem niemand meckert. Genau diese Mischung macht die Band so besonders. Live liefern Volbeat keine komplizierte Kunstperformance, sondern genau das, was guter Rock können soll: riesige Refrains, dicke Riffs und Songs, die man mit Bier in der Hand sofort mitgrölen möchte.

Ihr Sound wirkt wie ein perfekt ausgeleuchteter Albtraum: schwere Gitarren, elektronische Schatten, große Melodien und eine Stimme, die in einem Moment fast zerbrechlich klingt und im nächsten alles in Stücke reißt. Mit Songs wie "Just Pretend", "The Death of Peace of Mind" oder "Dethrone" haben Bad Omens gezeigt, dass Härte heute nicht nur über Lautstärke funktioniert, sondern auch über Atmosphäre und den richtigen Moment der Eskalation. Bei Rock am Ring 2026 dürfte daraus eine Show werden, die weniger nach klassischem Metalcore-Abriss aussieht, sondern eher nach einer dunklen Messe für Menschen, die gleichzeitig mitsingen, starren und komplett ausrasten wollen. Bad Omens sind nicht einfach laut. Sie ziehen dich in ihren Bann, lassen die Spannung wachsen und schlagen genau dann zu, wenn man glaubt, kurz durchatmen zu können.

Bad Nerves klingen, als hätte jemand den Punkrock-Motor ordentlich aufgemotzt und alle Bremsen ausgebaut. Die Band aus Essex mischt Garage Rock, Power Pop und Rock’n’Roll zu kurzen, intensiven Bangern, die hemmungslos treiben und trotzdem verdammt eingängig bleiben. Mit ihrem Album Still Nervous haben Bad Nerves bewiesen, dass sie nicht nur schnell, sondern auch treffsicher sind. Songs wie "Antidote", "USA" oder "You’ve Got The Nerve" dauern selten länger als nötig und brennen sich genau deshalb so schnell ins kollektive Gedächtnis der Festivalcrowd: nervös, laut, catchy und so energiegeladen, dass man kaum hinterherkommt. Bad Nerves sind kein gemütlicher Festivalstopp, sondern ein kompletter Kurzschluss mit Ansage.

Return to Dust sind einer der Gehimtipps am Ring diese Jahr. Sie holen den Geist des 90er-Grunge zurück auf die Bühne und übersetzen ihn in die Gegenwart. Die Band aus Los Angeles verbindet düstere Alternative-Rock-Schwere, massive Gitarren und mehrstimmige Vocals zu einem Sound, der hörbar an Alice in Chains, Soundgarden oder Deftones erinnert, dabei aber nicht nach Retro-Kostüm klingt. Gegründet wurde die Band 2022, ihr Debütalbum erschien 2024. Songs wie "Belly Up", "Black Road" oder "Bad News" tragen diesen staubigen, schweren Vibe in sich, der sofort Bilder von flackernden Neonröhren, dunklen Clubs und viel zu lauten Verstärkern auslöst. Gleichzeitig haben Return to Dust genug moderne Wucht, um nicht bloß nostalgisch zu wirken. Das ist kein Grunge-Comeback mit Flanellpflicht, sondern Rockmusik mit Druck, Melodie und ordentlich Dreck unter den Fingernägeln.

Black Veil Brides sind der Beweis, dass große Gesten im Rock nie wirklich aus der Mode kommen. Die Band aus Los Angeles verbindet Glam-Metal-Attitüde, Metalcore-Druck und eine ordentliche Portion Gothic-Drama zu einem Sound, der klingt, als hätte jemand Mötley Crüe, AFI und Avenged Sevenfold in einen Mixer geworfen und mit einer Portion Depeche Mode garniert. Seit ihrem Durchbruch mit "Knives and Pens" und dem Album "We Stitch These Wounds" haben Black Veil Brides eine treue Fanbase um sich versammelt, für die ihre Songs weit mehr sind als nur Make-up, Lederoutfits und große Rockposen. Tracks wie "In the End", "Fallen Angels" oder "Rebel Love Song" sind Hymnen für alle, die sich lieber selbst neu erfinden, als irgendwelchen Trends hinterher zu rennen.

Blood Incantation klingen, als hätte jemand ein Planetarium in einen Death-Metal-Proberaum gebaut. Die Band aus Denver verbindet technische Brutalität, kosmische Atmosphäre und progressive Ausflüge zu einem Sound, der nicht einfach nur knüppelt, sondern ganze schwarze Löcher aufreißt. Mit Alben wie "Hidden History of the Human Race" und "Absolute Elsewhere" haben Blood Incantation gezeigt, dass extremer Metal gleichzeitig brutal, detailverliebt und erstaunlich hypnotisch sein kann. Blastbeats, spacige Synths und verschachtelte Riffs wirken bei ihnen wie eine intergalaktische Reise mit sehr fragwürdiger Sauerstoffversorgung. Live ist das weniger Konzert als Expedition: laut, komplex, überwältigend und voller Sternenstaub auf den Augenliedern.

Hollywood Undead sind keine Band der feinen Nuancen. Masken, Gang-Vocals, düstere Hooks und eine ordentliche Portion schwarzer Humor gehören dabei genauso zur DNA der Band wie schwere Gitarren und Refrains, die man spätestens beim zweiten Durchlauf mitbrüllt. Mit ihrem Debüt "Swan Songs" schufen Hollywood Undead Ende der 2000er eine ganz eigene Welt aus Exzess, Frust, Außenseitertum und Provokation. Songs wie "Undead", "Everywhere I Go", "Hear Me Now" oder "Bullet "zeigen, warum die Band bis heute funktioniert: Hinter der Krawallfassade stecken erstaunlich eingängige Melodien und ein feines Gespür dafür, große Emotionen nicht zu glatt zu verpacken. Auf der Bühne wird daraus ein wildes Wechselspiel aus Rap-Crew, Rockband und Endzeit-Karaoke. Hollywood Undead liefern keine elegante Hochkultur, sondern dreckige, laute Unterhaltung mit Wiedererkennungswert.

Breaking Benjamin sind die Band für alle, die ihre großen Gefühle gerne mit schweren Gitarren, dunklen Melodien und Refrains in Stadiongröße serviert bekommen. Seit den frühen 2000ern haben sich die US-Amerikaner mit ihrem Mix aus Alternative Metal, Post-Grunge und emotionalem Hard Rock eine treue Fangemeinde erspielt, die bei Songs wie "The Diary of Jane", "Breath" oder "I Will Not Bow" sofort in den Mitsingmodus schaltet. Das Geheimnis der Band liegt in dieser besonderen Balance aus Härte und Eingängigkeit. Breaking Benjamin können wuchtig drücken, ohne stumpf zu werden, und sentimental klingen, ohne im Kitsch zu versinken. Benjamin Burnleys Stimme trägt dabei viel von dieser Spannung: rau, melancholisch und immer mit dem Gefühl, dass hinter jedem Refrain noch ein halber Weltuntergang wartet.

Finch ist sowas wie das kollektive Guilty Pleasure der deutschen Musikszene. Was als ostdeutscher Battle-Rap mit Trainingsjacke, Schnauzer und Vokuhila begann, ist längst zu einem eigenen kleinen Paralleluniversum geworden: halb Abrissparty, halb Heimatfilm auf Energy Drink. Zwischen Eurodance, Rap, Schlager-Reminiszenzen und Proll-Poesie baut Finch Musik für Menschen, die Ironie mögen, aber irgendwann trotzdem ernsthaft die Faust in die Luft reißen. Tracks wie "Abfahrt", "Liebe auf der Rückbank" oder "Onkelz Poster" sind gleichzeitig völlig drüber und erstaunlich präzise gebaut. Man lacht erst, dann singt man mit, dann steht man plötzlich mit beiden Armen oben im Moshpit der Dorfjugend. Eine Liveshow von Finch ist wie ein Boxkampf mit dem einarmigen Karusellbremser auf dem größten Dorffest des Landes. Da treffen Festival, Kirmes, Rapshow und Klassenfahrt aufeinander.

Social Distortion ist Punkrock für Menschen, die wissen, dass gebrochene Herzen, alte Lederjacken und drei Akkorde manchmal völlig ausreichen, um die Wahrheit zu sagen. Schon seit 1979 trägt die Band aus Kalifornien den Geist des Straßenpunks in sich, hat ihn aber immer mit Rock’n’Roll, Country und einer guten Portion Arbeiterromantik gefüttert. Mike Ness klingt dabei weniger wie ein klassischer Frontmann, sondern eher wie jemand, der dir nachts an der Bar aus seinem Leben erzählt und am Ende die Drinks bezahlt, obwohl seine Schuhe längst komplett durchlöchert sind. Songs wie "Story of My Life", "Ball and Chain" oder "Reach for the Sky" sind Hymnen für alle, die schon mal verloren haben, aber trotzdem wieder aufstehen. Rau, direkt und mit der exakt richtigen Menge an Melancholie.

Aus den Trümmern von Creed entstanden, haben sich Myles Kennedy, Mark Tremonti, Brian Marshall und Scott Phillips längst eine ganz eigene Identität aufgebaut: weniger Stadionpathos auf Autopilot, mehr musikalische Substanz, Druck und echte emotionale Tiefe. Das Zentrum von Alter Bridge ist die besondere Chemie zwischen Kennedys Stimme und Tremontis Gitarrenarbeit. Während Myles Kennedy mühelos zwischen Zerbrechlichkeit und voller Rock-Röhre wechselt, baut Tremonti Riffs und Soli, die nicht bloß zeigen wollen, wie gut jemand spielen kann, sondern Songs wirklich nach vorne tragen. Stücke wie "Blackbird", "Metalingus", "Open Your Eyes" oder "Isolation" sind längst feste Größen im modernen Hard Rock. Live wirken Alter Bridge wie eine Band, die nichts beweisen muss und gerade deshalb so überzeugend ist. Keine unnötige Pose, kein Kirmes-Feuerwerk aus leeren Gesten, sondern vier Musiker, die ihre Songs mit Wucht, Präzision und spürbarer Leidenschaft auf die Bühne bringen.

A Perfect Circle sind die Band für alle, denen Tool manchmal zu verkopft und normaler Alternative Rock zu geradeaus ist. Das Projekt um Gitarrist Billy Howerdel und Maynard James Keenan baut seine Songs nicht auf schnellen Effekt, sondern auf Spannung, Atmosphäre und dieses unangenehm schöne Gefühl, dass gleich irgendetwas kippt. Mit Alben wie "Mer de Noms", "Thirteenth Step" oder "Eat the Elephant" haben A Perfect Circle einen Sound geschaffen, der dunkel, elegant und absolut eigenartig ist. Songs wie "Judith", "3 Libras", "Weak and Powerless" oder "The Outsider" schweben zwischen Art Rock, Alternative Metal und großer Melancholie. Live ist das keine Show für den schnellen Abriss, sondern eher ein kontrollierter Sog. Maynard singt, als würde er Geheimnisse verraten, die man vielleicht lieber nicht hören sollte, während die Band um ihn herum eine fast unheimliche Ruhe bewahrt.

Sabaton sind die Band, die es schafft aus einem Metal-Konzert plötzlich ein historisches Großmanöver zu machen. Die Schweden haben Power Metal so konsequent auf Panzerketten, Chöre und Geschichtsstunden getrimmt, dass man sich manchmal fragt, ob man gerade auf einem Festival steht oder aus Versehen in eine sehr sehr laute Dokumentation geraten ist. Songs wie "Primo Victoria", "To Hell and Back", "Ghost Division" oder "The Last Stand" funktionieren dabei nicht nur wegen ihrer martialischen Themen, sondern weil Sabaton ein unverschämtes Talent für große Melodien haben. Jede Strophe marschiert, jeder Refrain hebt ab, und Joakim Brodén klingt, als würde er selbst eine Bedienungsanleitung für Campingkocher noch in eine epische Schlachtrede verwandeln. Pyro, Bühnenpanzer, donnernde Drums, Publikumschöre und eine Band, die genau weiß, wie man Pathos mit Humor verbindet. Sabaton nehmen ihre Show ernst, aber nie so ernst, dass der Spaß darunter leidet.