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Was macht man während einer Festival-Evakuierung? Im Fall des Hurricane 2016: einen Song schreiben! Aus der spontanen Idee, den Satz „Am sichersten seid ihr im Auto“ musikalisch zu verarbeiten, wurde ein Community-Hit, ein virales Musikvideo und eine ganz besondere Band. Das Hurricane-Swim-Team, bestehend aus FKP-Scorpio-Mitarbeitern und Festivalfans, wurde zur Stimme eines unvergesslichen Moments. Mit Unterstützung der Community entstanden über die Jahre weitere Songs, Aktionen und Auftritte, bei denen die Festivalfamilie stets im Mittelpunkt stand.Auch 2026 heißt es wieder: Bühne frei für das Swim Team! Ein Auftritt voller Emotionen, Musik und Festivalgeschichte live beim Hurricane.

Anda Morts ist der Act für alle, die beim Festival nicht nur Sonne, Bier und leichte Unterhaltung suchen, sondern auch vor ein bisschen Reibung nicht zurückschrecken. Der Musiker aus Linz schreibt Indie-Punk, der klingt, als hätte jemand die gesamten Gedanken einer desillusionierten Generation über verzerrte Gitarren gelegt. Seine Songs sind roh, direkt und erstaunlich fein beobachtet. Da geht es um Orientierungslosigkeit, Wut, Sehnsucht, Politik, Beziehungen und diesen seltsamen Zustand, gleichzeitig alles ändern zu wollen und nicht genau zu wissen, wo man anfangen soll. Anda Morts brüllt dabei nicht einfach gegen die Welt an, sondern seziert sie mit feiner Klinge.

Der kanadisch-amerikanische Musiker mischt Alternative Rock, Rap, elektronische Beats und politische Wut zu Songs, die klingen, als hätte jemand einen Protestmarsch direkt in den Moshpit umgeleitet. Mit "Blood // Water" gelang Grandson 2018 der Durchbruch und seitdem steht er für Musik, die nicht nur Druck macht, sondern auch etwas zu sagen hat. Seine Songs handeln von sozialer Ungerechtigkeit, innerer Unruhe und der Frage, wie man es in dieser Welt eigentlich schaffen soll alle seine Sinne bei sich zu behalten. Beim Hurricane Festival 2026 wird der ein oder andere nichtsahnende Besucher am Ende vielleicht mit ausgestreckter Faust und voller revolutionärer Energie eine Erweckung erleben. Das wird wütend, tanzbar, mitreißend und genau das richtige für ein bisschen Umsturz am Eichenring.

Bei RIKAS könnte man für einen kurzen Augenblick vergessen, dass Stuttgart nicht direkt an der kalifornischen Küste liegt. Ihr Indie-Pop klingt nach offenen Autofenstern, warmem Asphalt, und dieser lässigen Melancholie, die dich in den Sonnernuntergang trägt. Hinter den entspannten Grooves, federnden Gitarren und weichen Harmonien steckt ein erstaunlich feines Gespür für Timing, Freundschaft und kleine Fluchten aus dem Alltag. Das ist Musik, die zwar leichtfüßig daherkommt, aber eine erstaunliche Tiefe besitzt. Beim Hurricane 2026 dürften RIKAS genau diesen Moment erwischen, in dem der Festivaltag langsam richtig Fahrt aufnimmt. Noch ist nicht alles eskaliert, aber der erste Drink sitzt, die Sonne steht gut und plötzlich klingt alles ein bisschen mehr nach Urlaub, als es der Eichenring eigentlich hergibt.

Seit 1999 ziehen Sondaschule durch die Clubs und über die Festivalbühnen der Nation, ohne dabei auch nur einen Funken an Energie zu verlieren. Im Gegenteil: Diesem Punk-Rock-Perpetuum-Mobile aus dem Pott, bekommt niemand den Stecker gezogen. Songs wie "Tanz", "Schere",Stein, Papier" oder "Bist du glücklich?" sind laut, direkt und gleichzeitig erstaunlich herzlich. Sondaschule stehen für Musik, die nicht lange erklärt werden muss. Man hört die ersten Bläser, sieht die ersten Menschen springen und weiß sofort, was passiert: großes Durcheinander, breites Grinsen und eine Band, die sich auf das konzentriert, was sie am besten kann: Pogo, Punk und Posaunen.

Royel Otis kommen aus Sydney und bringen genau den Sound mit, den man hört, wenn man sich einen Spaziergang mit Sonnenbrille im Gesicht und Schmetterlingen im Bauch durch den goldenen Spätsommer Down Under vorstellt. Das Duo, bestehend aus Otis Pavlovic und Royel Maddell, mischt Indie-Pop mit Lo-Fi-Vibes, eingängigen Hooks und einer Portion australischer Lässigkeit. Mit Songs wie "Sofa King", "Oysters in My Pocket" oder ihrer charmant schrägen Coverversion von "Murder on the Dancefloor" erspielen sich Royel Otis seit 2021 eine stetig wachsende Fanbase. Ihr Debütalbum "Pratt’s & Pain" (2023) klingt gleichzeitig nostalgisch und neu, verspielt und tiefgründig, ein bisschen DIY, aber immer auf den Punkt. Live überzeugen sie mit entspannter Bühnenpräsenz, viel Humor und Songs, die sofort hängen bleiben, ohne sich aufzudrängen. Wer sie einmal gesehen hat, weiß: Das ist Indie-Pop mit Charakter, ungekünstelt, charmant und genau da, wo man ihn gerade braucht.

Karl Lagerfeld sagte einst: "Wer die Donots nicht liebt, hat die Kontrolle über sein Leben verloren", oder so ähnlich. Jedenfalls ist der Evergreen-Punkrockfünfer aus Ibbenbüren mittlerweile eine Jahrzehnte überdauende Instanz auf allen Bühnen des Landes. Frontmann Ingo ist nicht nur ein absolut patenter Moderator, wie er erst kürzlich für MagentaTV bei Rock am Ring bewies, sondern dauerhaft wirbelnder Bühnenderwisch mit unbändiger und mitreißender Präsenz. Die Musik der Donots ist vorallem eins: für alle da! Zum Mitsingen, Springen und schreien, für Moshpits, Stagedives und einander in die Arme fallen. Sie sind der Headliner der Herzen, für alle mit der richtigen Einstellung zum Leben, der Liebe und dem Punkrock. Ewig, ehrlich, enorm und immer für dich da.

Bosse hat sich über die Jahre vom sympathischen Indierock-Typen mit Akustikgitarre zu einem der verlässlichsten Gefühlslieferanten der deutschen Festival-Landschaft entwickelt. Einer, der große Popmomente schreiben kann, ohne dabei die Bodenhaftung zu verlieren und der wie ein guter Freund wirkt, der zufällig zehntausende begeistert. Mit Songs wie "Schönste Zeit", "Der letzte Tanz", "Frankfurt Oder" oder "Ein Traum" hat Axel Bosse längst seinen festen Platz im kollektiven Erinnerungsschrank des Indiepops Irgendwo zwischen Festivalbändchen, viel zu langen Heimfahrten, verpassten Chancen und diesem einen Sommer, den man nie vergisst. Seine Musik kann euphorisch sein, sentimental, ein bisschen trotzig und manchmal so nahbar, dass man kurz vergisst, dass da eine Bühne zwischen Künstler und Publikum steht. Beim Hurricane 2026 dürfte genau daraus einer dieser Auftritte werden, bei denen am Ende jeder den Arm um fremde Schultern legt.

Kraftklub haben sich über das letzte Jahrzehnt vom sympathischen Außenseiter aus Karl-Marx-Stadt zu einer der beständigsten und erfolgreichsten Bands des Landes gemausert. Mit ihren ironischen, politischen und intelligenten Texten, einer ästhetischen Achterbahnfahrt irgendwo ziwschen 2000er-Indie-Zappeligkeit, Punkattitüde und Doppelreimketten sowie einem todsicheren Instinkt für den Zeitgeist haben sich die fünf teilweise verwandten Musiker eine ganz eigene Nische erschaffen, in der sie über jeden Zweifel erhaben sind. Jeder Millenial dieses Landes hat schon ein Mal in der Indiedisko die Finger zu "Ich will nicht nach Berlin" in die Luft gestreckt, zu "Drei Schüsse in die Luft" stampfend den Tanzboden poliert oder sich bei "Songs für Liam" gefragt, warum der nicht eigentlich "und wenn du mich küsst" heißt.

Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys sind der vielleicht schönste Beleg dafür, dass ein sehr guter Witz irgendwann so groß werden kann, dass niemand mehr lacht, weil plötzlich alle mitsingen müssen. Was einst wie ein liebevoll überzeichneter Italopop-Fiebertraum mit Schnauzbart, weißen Anzügen und Gardasee-Sehnsucht begann, ist längst zu einem ernstzunehmenden Popphänomen geworden. Spätestens ihr ausverkauftes Stadionkonzert in der Augsburger WWK Arena hat gezeigt, dass hier nicht mehr nur ein Insiderjoke durch die Republik gondelt. Da standen 25.000 Menschen und feierten eine Band, die Kitsch nicht ironisch entsorgt, sondern so konsequent umarmt, bis daraus echte Größe entsteht. Zwischen Bella Napoli, Amore, Pathos und sehr viel Glanz liegt plötzlich erstaunlich viel Wahrheit.

Just Mustard aus dem irischen Dundalk fabriziert keine klassischen Rocksongs, sondern dunkle Klangräume aus flirrenden Gitarren, pochenden Drums und Katie Balls geisterhafter Stimme, die mal ganz nah wirkt und im nächsten Moment wieder hinter einer Wand aus Lärm verschwindet. Was bei anderen Bands schnell nach Shoegaze-Schmonzette klingt, bekommt bei Just Mustard eine deutlich unheimlichere Kante. Ihre Songs schleichen nicht einfach dahin, sie ziehen langsam die Temperatur aus dem Raum. Zwischen Noise Rock, Post-Punk und elektronisch gefärbten Rhythmen entsteht ein Sound, der weniger nach Sonnenuntergang als nach flackerndem Neonlicht in einer verlassenen Unterführung klingt.

Latin Greek aus Köln verbinden den klassischen Rock der 60er und 70er Jahre mit modernem Indie-Sound. Ohne viel Schnickschnack, aber dafür mit jeder Menge Überzeugung, bahnt sich das Quintett durch rohe Emotionen seinen ganz eigenen Weg. Fernab von opulenten Produktionen und effektheischenden Tricksereien entsteht ein Kleinod aus knochigen Drums, zeitlosen Riffs und befreiender Energie, das es mit etwas Glück bald auch in die späteren Slots des Line Ups schafft.

Was passiert, wenn Metalcore auf Hyperpop trifft und dabei sämtliche Genregrenzen in Neonpink übermalt werden? Scene Queen hat darauf eine erstaunlich klare Antwort gefunden. Die US-Amerikanerin bewegt sich zwischen harten Riffs, Popstar-Inszenierung und maximaler Provokation – und macht daraus mit augenzwinkernder Konsequenz ihr eigenes Genre: Bimbocore. Hinter dem grellen Äußeren steckt jedoch weit mehr als bloße Inszenierung. Scene Queen verbindet brachiale Gitarren mit feministischen Botschaften und schafft einen Raum, der sich bewusst an Frauen richtet, ohne andere auszuschließen. In einer Szene, die lange von männlichen Perspektiven geprägt war, setzt sie eigene Akzente – laut, selbstbewusst und mit dem festen Willen, bestehende Regeln neu zu schreiben.

Florence Road sind eine dieser Bands, bei denen man lieber früh vor der Bühne steht, bevor später alle behaupten, sie seien natürlich von Anfang an dabei gewesen. Die vier Musikerinnen aus Irland haben sich von gemeinsamen Songs im Jugendzimmer und viralen Covers zu einer der spannendsten neuen Gitarrenbands hochgespielt. Ihr Sound hat diese seltene Mischung aus jugendlicher Unruhe und erstaunlicher Klarheit. Gitarren dürfen kratzen, Refrains dürfen groß werden, und Lily Arons Stimme klingt oft so, als würde sie einen Gedanken gerade erst aussprechen, während die Band ihn schon in einen Sturm verwandelt. Songs wie "Heavy", "Caterpillar" oder "Figure It Out" zeigen, wie viel Druck, Melodie und Verletzlichkeit in drei Minuten passen.

Was macht eigentlich einen guten Pop-Punk-Song aus? Bei All Time Low lautet die Antwort seit Jahren: große Refrains, ein bisschen Melancholie und eine Energie, die selbst am helllichten Nachmittag jede Festival zum Beben bringt. Die Band aus Baltimore gehört zu den verlässlichsten Größen ihres Genres und hat mit Songs wie "Dear Maria", "Count Me In", "Weightless" oder "Monsters" eine festen Platz im Pop-Punk-Olymp ergattert. All Time Low wissen, wie man jugendliche Dringlichkeit in zeitlose Hooks übersetzt, ohne dabei den Blick für Leichtigkeit und Selbstironie zu verlieren. Beim Hurricane 2026 bringen sie genau diese Mischung an den Eichenring: melodischen Druck, große Mitsingmomente und einen Sound, der zwischen Rückblick und Gegenwart erstaunlich frisch geblieben ist. Wer Pop Punk nicht nur als Phase, sondern als Lebensgefühl versteht, dürfte hier bestens aufgehoben sein.

Noch vor wenigen Jahren hätte wohl niemand darauf gewettet, Natasha Bedingfield auf einem Festival wie dem Hurricane zu sehen. Zu sehr war sie mit den großen Pop-Hymnen der 2000er verbunden und in einer Welt zuhause, die gar nichts mit der nahbaren Festivallandschaft zu tun hatte. Songs wie "Unwritten", "These Words" oder "Pocketful of Sunshine" liefen im Radio, auf Soundtracks und in zahllosen Playlists. Doch was einst als nostalgischer Rückblick begann, hat sich längst zu einer verdienten Wiederentdeckung entwickelt. Mit ihrem Gespür für eingängige Melodien, optimistische Botschaften und zeitlose Pop-Songs erreicht Bedingfield heute auch ein Publikum, das ihre größten Hits erst Jahre nach deren Veröffentlichung für sich entdeckt hat. Auf dem Hurricane trifft deshalb nicht nur 2000er-Nostalgie auf Gegenwart, sondern eine Künstlerin, deren Songs den Test der Zeit überraschend mühelos bestanden haben.

Alexisonfire sind nicht einfach nur laut. Sie sind diese seltene Sorte Post-Hardcore, bei der Chaos, Melodie und emotionaler Kontrollverlust nicht gegeneinander arbeiten, sondern sich gegenseitig antreiben. Seit Anfang der 2000er prägen die Kanadier einen Sound, der zwischen Screamo, Punk, Hardcore und hymnischem Alternative Rock immer so klingt, als könnte gleich alles auseinanderbrechen, was aber nie passiert. Das liegt vor allem an einer außergewöhnlichen Dreistimmigkeit: George Pettits rohe Schreie, Dallas Greens warme Melodien und Wade MacNeils rauer Gegenpol ergeben ein Spannungsfeld, das bis heute kaum eine andere Band so hinbekommt. Songs wie "This Could Be Anywhere in the World", "Young Cardinals" oder "Boiled Frogs" sind deshalb nicht nur Erinnerungen an eine bestimmte Szene-Ära, sondern lebendige Beweise dafür, wie viel Schönheit im Lärm stecken kann.

Kaffkiez erzählen von einem Gefühl, das viele kennen: nicht ganz dazuzugehören. Irgendwo zwischen Aufbruch und Stillstand festzustecken und trotzdem weiterzumachen. Ihre Songs handeln von Provinz, Freundschaft, Unsicherheit und dem Wunsch, den eigenen Platz in der Welt zu finden. Mit ihrem Mix aus Indie, Deutschpop und großen Refrains treffen Kaffkiez einen Nerv, ohne sich anzubiedern. Was als Außenseitergeschichte in einer oberbayerischen Kleinstadt begann, hat sich zu einer der spannendsten Erfolgsstorys der jungen deutschen Gitarrenmusik entwickelt. Gerade weil sie nie so wirken, als wollten sie irgendwo dazugehören, sind sie mittlerweile für so viele Menschen ein wichtiger Teil ihres Lebens.

Nothing But Thieves haben sich vom britischen Alternative-Rock-Geheimtipp zur internationalen Festivalgröße entwickelt, ohne ihren Sinn für Spannung, Dramatik und Kompromisslosigkeit zu verlieren. Die Band aus Southend-on-Sea mischt scharfkantige Gitarren, große Melodien und emotionale Wucht zu Songs, die gleichzeitig elegant und druckvoll wirken. Im Zentrum steht Conor Mason, dessen Stimme mühelos zwischen fragiler Intimität und voller Rock-Explosion wechselt. In Songs wie "Amsterdam", "Sorry", "Impossible" oder "Overcome" bauen Nothing But Thieves ihre Momente nicht mit bloßem Pathos auf, sondern mit Dynamik, Präzision und einem feinen Gespür für den richtigen Ausbruch.

Spätestens mit "Dog Days Are Over" und "Shake It Out" ist Florence Welch eine Ikone der Popmusik geworden. Nicht, weil sie sich besonders geschickt an Trends angepasst hätte, sondern weil sie immer konsequent ihre eigene ganz Welt gestaltet hat: groß, verwundbar, dramatisch, voller Poesie und trotzdem mit der Kraft, ganze Menschenmengen in Bewegung zu setzen. Ihre Musik ist Pop mit offenen Fenstern, wehenden Vorhängen und einem riesigen Herzen. Beim Hurricane 2026 wird diese Einzigartigkeit besonders hell leuchten. Florence + The Machine stehen für eine Art von Pop, die nicht glattgebügelt wirkt, sondern überwältigend, eigenwillig und zutiefst menschlich. Für viele Künstlerinnen ist Florence Welch längst Vorbild. Für das Publikum ist sie dieser seltene Festivalmoment, bei dem man kurz vergisst, wo man steht, und nur noch weiß, dass man gerade etwas Großes erlebt.

Twenty One Pilots sind der perfekte Prüfstein für alle, die beim Hören des Namens an schnöde Radiomusik mit ein paar netten Refrains denken. Spätestens live erledigt sich dieses Missverständnis nämlich sehr schnell. Tyler Joseph und Josh Dun entwerfen aus Rap, Pop, Rock, Elektronik und einem besonders ausgeprägten Sinn für Drama eine Show, die eher nach Hochseilakt als nach sauber sortierter Hitparade klingt. Natürlich kennt man "Stressed Out", "Ride" oder "Heathens". Aber Twenty One Pilots sind weit mehr als die Songs, die irgendwann aus jedem Autoradio kamen. Ihre Musik lebt von Widersprüchen, plötzlichen Richtungswechseln, stillen Momenten und Ausbrüchen, bei denen man nie ganz sicher ist, ob gleich ein Refrain, ein Drumsolo oder eine komplette Bühneneskalation um die Ecke kommt.

Davina Michelle ist eine Künstlerin, deren Karriere zwar im Internet begann, die den Sprung auf die großen Bühnen aber mühelos geschafft hat. Was mit viralen Coverversionen auf YouTube begann, entwickelte sich innerhalb weniger Jahre zu einer der beeindruckendsten Erfolgsgeschichten des niederländischen Pop. Mit ihrer kraftvollen Stimme und einer Vorliebe für große Emotionen bewegt sich Davina Michelle zwischen modernem Pop, Balladen und hymnischen Refrains. Ihr Song "Duurt Te Lang" sorgte in den Niederlanden für Aufsehen und sie sich aber als eigenständige Künstlerin etabliert. Wer sie live erlebt, versteht schnell, warum: Davina Michelle besitzt die seltene Fähigkeit, selbst die größten Festivalbühnen intim wirken zu lassen.

Zebrahead kommen aus einer Zeit, in der Punkrock, Rap und Skateboardkultur gemeinsam die Jugendzimmer eroberten. Seit ihrer Gründung Mitte der 1990er-Jahre in Kalifornien verbindet die Band Pop-Punk-Hooks, Metal-Riffs und Hip-Hop-Einflüsse zu einem Sound, der sich nie um Genregrenzen geschert hat. Während viele ihrer Zeitgenossen längst von den Festivalplakaten verschwunden sind, haben sich Zebrahead eine bemerkenswerte Konstanz bewahrt. Alben, Besetzungswechsel und wechselnde Trends kamen und gingen, die Energie blieb. Ihre Songs sind schnell, eingängig und voller Spielfreude, ihre Konzerte seit Jahrzehnten ein Garant für Moshpits und gute Laune. Zebrahead erinnern daran, dass Punkrock nicht kompliziert sein muss, solange er mit Überzeugung gespielt wird.

Manchmal braucht es nur einen Song, um aus einem Geheimtipp ein internationales Gesprächsthema zu machen. Für The Beaches war "Blame Brett", ein Indie-Rock-Hit, der sich über soziale Medien verbreitete und die kanadische Band schlagartig einem Millionenpublikum vorstellte. Doch der Erfolg kam keineswegs über Nacht. Bereits seit über einem Jahrzehnt arbeiten die vier Musikerinnen aus Toronto an ihrer Mischung aus Indie-Rock und Power-Pop. Ihre Songs sind clever, selbstironisch und voller Ohrwürmer, ohne jemals glatt zu wirken. Beim Hurricane 2026 treffen The Beaches auf ein Publikum, das Gitarrenmusik wieder neu für sich entdeckt hat und kaum eine Band verkörpert diesen Moment derzeit so überzeugend wie sie.

In einer Musiklandschaft, in der sich viele Bands um Haltung, Ernsthaftigkeit und Authentizität bemühen, machen The Butcher Sisters lieber genau das Gegenteil. Die Mannheimer Truppe bewegt sich irgendwo zwischen Metalcore, Nu Metal, Deutschrap und grobem Unfug und hat sich damit eine bemerkenswert treue Fangemeinde aufgebaut. Die Texte balancieren gekonnt zwischen Persiflage und Präzision, während die Band musikalisch mit voller Absicht jede Geschmacksgrenze überfährt. Was dabei leicht chaotisch wirkt, folgt einem erstaunlich sicheren Gespür für Hooks, Härte und Humor. The Butcher Sisters sind keine Band, die man erklären kann, man muss sie erlebt haben.

Clueso ist ein Phänomen. Seit Jahrzenhnten ist der sympathische Erfurter nun schon mit seiner Musik unterwegs und wirkt dabei immernoch wie frisch geschlüpft. Sein manchmal melancholischer, manchmal hymnischer Popsound hat große Hits hervorgebraucht und Generationen geprägt. Anfang der 2000er begann er als Rapper, doch fand schnell seinen Weg zu Akustikgitarren und träumerisch poetischen Texten, die genau ins Herz treffen. Er schafft es immer wieder komplexe Gefühle so herunterzubrechen, dass sich jeder damit identifizieren kann. Egal ob "Chicago", "So sehr dabei" oder "Flugmodus" - mit seinen Songs bringt er Jung und Alt zum Schwärmen, Träumen und Loslassen.

Kaum eine deutsche Band hat in den vergangenen Jahren einen derart steilen Aufstieg hingelegt wie Provinz. Aus dem oberschwäbischen Ravensburg kommend, verwandelten die vier Musiker Geschichten über Heimat, Sehnsucht und das Erwachsenwerden in Songs, die weit über die eigene Generation hinaus Resonanz fanden. Bemerkenswert ist dabei nicht nur die Geschwindigkeit ihres Erfolgs, sondern auch das Alter der Band: Während viele Acts Jahre oder gar Jahrzehnte auf den großen Festivalplakaten nach oben klettern, haben sich Provinz bereits in ihren Zwanzigern zu Headlinern des Hurricane Festivals entwickelt. Mit ihrer Mischung aus Indie, Pop und emotionaler Wucht stehen sie exemplarisch für eine neue Generation deutscher Bands, die große Gefühle nicht scheut und damit die ganz großen Bühnen erobert hat.

Billy Talent sind die Band, bei der schon der erste Gitarrenanschlag ausreicht, um zu wissen, wer gerade die Bühne betreten hat. Die Kanadier haben über zwei Jahrzehnte hinweg eine ganz eigene Mischung aus Punk, Alternative Rock und nervöser Hochspannung entwickelt, die sofort nach verschwitztem Infield, heiseren Kehlen und unbändiger Energie klingt. Mit Songs wie "Red Flag", "Fallen Leaves", "Devil in a Midnight Mass" oder "Try Honesty" haben Billy Talent Hymnen geschrieben, die mehrere Festivalgenerationen miteinander verbinden. Da stehen Leute nebeneinander, die die Band seit dem ersten Album begleiten, und solche, die erst später gemerkt haben, wie gut sich kontrollierte Wut mitsingen lässt. Beim Hurricane 2026 bekommen Billy Talent genau den Slot, der zu ihnen passt: spät, laut und groß genug für maximale Eskalation. Das wird kein nostalgischer Rückblick, sondern ein sehr wacher Beweis dafür, dass diese Band noch immer brennt.